ENEMY

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Enemy

Dirección: Denis Villeneuve

Guión: Denis Villeneuvey Javier Gullón, según una novela de José Saramago

Intérpretes: Jake Gyllenhaal, Mélanie Laurent, Sarah Gadon, Isabella Rossellini, Jane Moffat, Tim Post, Laurie Murdoch, Darryl Dinn

Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans

Fotografía: Nicolas Bolduc

Canadá-España. 2013. 91 minutos.

 

El íntimo enemigo 

Publicada en 2002 por el escritor portugués ganador del Premio Nobel José Saramago, El hombre duplicado (O Homem Duplicado) se adentra en uno de los territorios, el de la identidad, de los que la literatura de los dos últimos siglos ha levantado acta de las más apasionantes disquisiciones sobre inquietudes existenciales y motivacionales del ser. Lo hace, como el propio título sugiere, a través de un relato sobre un doble o doppelgänger, abundando a través de los periplos de un profesor de Historia que descubre accidentalmente la existencia de otro hombre igual que él en espacios filosóficos y psicológicos que también han interesado a autores de la talla de Robert Louis Stevenson, Guy de Maupassant, Edgar Allan Poe, Feodor Dostoyevski, Oscar Wilde, Ambrose Pierce, Miguel de Unamuno, Julio Cortázar, Jorge Luis Borges o Paul Auster. En la decisión de Denis Villeneuve de adaptar al cine la novela de Saramago (labor llevada a cabo antes que Prisioneros (2013), su desembarco en la industria estadounidense, por mucha que ésta se estrenara en España antes que Enemy), el cineasta canadiense afronta la que por ahora es probablemente su obra más ambiciosa en términos artísticos, e ingresa en una también nutrida nómina de (a menudo ilustres) creadores cinematográficos que hicieron de ese motivo, el del enfrentamiento con un doble, instrumento narrativo y alegórico en sus obras, entre ellos Alfred Hitchcock, Robert Mulligan, David Cronenberg, Kryzstof Kieslowski, David Lynch, David Fincher o Darren Aronofsky.

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Villeneuve, autor también de la adaptación junto a Javier Gullón, propone a través del relato puesto en solfa en este filme de elocuente título una pugna que perfectamente puede acomodarse a los pulsos del subconsciente. La trama nos habla de un tipo introvertido, hastiado de su trabajo y que padece un proceso depresivo, pero que encuentra un acicate a su gris existencia en el cambio de identidad que tiene lugar tras su encuentro fortuito con un hombre que, si en apariencia es idéntico a él, en realidad le complementa a través de un carácter extrovertido y un comportamiento obsesivo marcado por su apetito sexual. Utilizando un llamativo símbolo, una tarántula, para definir –en el arranque, en el cierre y en una poderosa imagen onírica plantada en el centro del relato– esta vis nociva, horrible, venenosa que define unos impulsos humanos que porfían por liberarse de la razón, las piezas de este relato-alegoría en que se erige Enemy se despliegan a modo de thriller psicológico de alto voltaje que debe progresar, y así lo hace, desde mimbres atmosféricos sórdidos.

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Polytechnique (2009) no se parece a Prisioneros, ni esta Enemy a Incendies (2010), pero todas ellas revelan algo indudable: el fuste de Villeneuve para la exposición de los temas que maneja, un esmero en el vaciado analítico del que se deduce una progresión dramática absorbente, una experiencia visual fuerte sostenida no tanto en imágenes de impacto –que sí le gustan al cineasta para culminar intenciones– cuanto en una edificación densa de los conflictos y sinuosidades del comportamiento de sus personajes. Aquí existe una sutil ilustración de un juego del gato y el ratón, un juego en el que no están sólo involucrados Adam Bell y Anthony St. Claire (Jake Gyllenhaal en ambos casos) sino las respectivas mujeres de éstos, Mary (Mélanie Laurent) y Helen (Sarah Gadon), y que, hábilmente, utilizando los resortes de un relato minimalista de suspense, Villeneuve traslada al espectador, que desde el mismo inicio de la función se verá obligado a tratar de atar piezas, información suministrada, por mucho que al final, cuando una llave nos suministre un último dato [imagen con claros ecos a una situación planteada por el gran maestro del cine contemporáneo en lo que al cuestionamiento de la identidad se refiere, David Lynch, en este caso concretamente tomada de Mulholland Drive (2004)] y la función sólo nos depare una última y angustiosa imagen, todas esas piezas funcionen como acicates del desarrollo intrínseco de la trama y no contagien –y eso es una virtud narrativa– la elucubración de sus pespuntes psicologistas y alegóricos.

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Para lograr esos efectos narrativos y esa carta de naturaleza expositiva Villeneuve se sirve de una atenta planificación en las secuencias que discurren en interiores, un trabajo escenográfico marcado por lentos desplazamientos de cámara y por ubicaciones de la misma que establecen un articulación subterránea del relato –la cámara a menudo parece que espíe a los personajes del mismo modo que se espían entre ellos– y una utilización del montaje para, a través de estrategias de alternancia o crosscutting, concatenar las existencias llamadas a converger/entrar en conflicto y a su vez para orquestrar codas repetitivas que vienen a proponer de forma sutil un cuestionamiento de la realidad y su(s) sentido(s). Todo ello sumerge las imágenes en un hado de inquietud, de incertidumbre, que magníficamente sostiene el pulso del relato a lo largo de todo el metraje, y que se apuntala con una labor con el sonido y la música que ribetea de forma gaseosa, abstracta, este relato sobre la búsqueda y la pérdida de identidad condicionada por aporías que en última instancia desaguan en cuestionamientos morales.

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